Impressionismo

Iniciou-se na França no início dos anos 1860, na sua forma mais pura só durou até 1886. Se separou radicalmente da tradição rejeitando a perspectiva, a composição equilibrada, as figuras idealizadas e o chiaroscuro da Renascença. Eles representavam sensações visuais imediatas através da cor e da luz. Criaram uma pincelada distinta, curta, cortada. Aqueles pontos vivamente coloridos formavam um mosaico borrões irregulares que vibravam de energia.
Com a industrialização teve a tinta a óleo e logo veio as bisnagas, e assim o artista podia sair de seu atelie e pintar fora. Mas as "meras impressões" eram assim descritas pois o artista queria colocar em sua obra a luz e cor que constava naquele momento do dia e por isso suas pinceladas eram ligeiras para não perder o efeito da vivacidade e sentimento do momento.
Havia ausência do preto na pintura, quando se desejava fazer uma sombra ou uma cor escura eram utilizadas misturas de cores até se chegar na cor desejada, e elas eram todas derivadas das cores primárias.

ARTISTAS

Edouard Manet (1832-83)
Nasceu na França e desde cedo adorava o ramo da arte. Seu pai, August Manet era o um Oficial da Alta Patente do Ministério, anti monarquista e queria que ele seguisse seu caminho, então quando o filho completou 16 ele convenceu o menino a ir para  a Marinha, mas depois de passar 2 anos no mar, Manet voltou e conseguiu se inscrever em um Atelie, e ficou  6 anos estudando lá.
No Salão Parisiense, exposição anual da França ele tentou expor sua primeira obra, "O bebedor de absinto" (The absinthe Drinker), 1858-59, que foi rejeitada. Os críticos falaram que ela não era muito realista e que os traços eram relaçados e o tema não era atrativo. Mas ele causou quando colocou sua segunda obra para exposição "O Cantor Espanhol" (The Spanish Singer), 1860. Hoje ele é considerado "Pai do Impressionismo" pois ele começou com a pintura "manchada", ele não fazia questão que a pintura fosse com traços perfeitos e isso fez dele o primeiro e ídolo de muitos outros pintores.
"Em seu estilo podia-se perceber formas simplificadas com um mínimo modelo, manchas de cor chapada com contorno preto. Suas cores sempre eram manchas escuras contra a luz, usava também o preto como acento. Pintou cenas contemporâneas com visão crítica."
STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 97, 1999.

"Almoço Sobre a Relva", uma de suas obras mais famosas, 1863, Musée d'Orsay, Paris.

"O Cantor Espanhol" (The Spanish Singer), 1860.

Claude Monet (1840-1926)
Monet nasceu na França, no ano de 1840. Tornou-se um grande pintor e um dos mais importantes representantes do impressionismo. Foi uma de suas pinturas, “Impressão: Nascer do Sol”, que deu nome ao movimento artístico impressionista.
O começo de sua carreira artística foi marcado por dificuldades financeiras. Porém, na década de 1870, começou a obter sucesso. Suas obras de arte seguiam, como temática principal, as paisagens da natureza. Trabalhava de forma harmônica as cores e luzes, criando imagens belas e fortes. Neste contexto artístico, podemos citar a série de pinturas que realizou sobre a catedral de Rouen (1892-1894), onde o artista retratou a construção em diversos momentos do dia, com variações de luminosidade. Monet morreu em 1926, na França, deixando um legado artístico reconhecido até os dias atuais. Alguns críticos de arte consideram Monet um dos mais importantes pintores de todos os tempos.
http://www.suapesqruisa.com/biografias/claude_monet.html

"Catedral de Rouen, fachada oeste, Luz do Sol", 1894, NG, Washington, DC.

"Impressão, nascer do sol", 1872, Museu Marmottan, Paris.

Pierre-August Renoir (1841-1919)

Conhecido por pintar sempre cenas belas e alegres. 'foi um importante artista plástico francês. Fez parte do impressionismo e destacou-se por suas lindas pinturas. Nasceu  na cidade francesa de Limoges. Morreu em  Cagnes-sur-Mer (cidade no sudoeste da França). Aos 18 anos começou a pintar e decorar persianas e leques. Em 1862, foi estudar na Academia de Belas Artes. Estudou também na academia do pintor suíço Charles Gabriel Gleyre. Nesta academia conheceu outros artistas famosos da época como, por exemplo, Claude Monet e Alfred Sisley. De Monet, Renoir recebeu influência no tratamento da luz, sendo que o trabalho com as cores foi influência recebida de Delacroix.

Seu estilo artístico era marcado pela presença de cores fortes e brilhantes, texturas e linhas harmônicas. O sentimento lírico é outra característica importante nas obras de Renoir. Em suas pinturas prevaleceram as formas humanas individuais, grupos de pessoas e paisagens. 

Sua primeira exposição artística ocorreu em Paris, no ano de 1864. Porém, não conseguiu muito reconhecimento. O reconhecimento veio somente em 1874, durante a primeira exposição de artistas da nova escola impressionista. Em 1874, sua pintura Le Moulin de la Galette foi reconhecida como uma grande obra de arte impressionista.

A carreira artística de Renoir foi consolidada com a exposição individual realizada em Paris, na galeria Durand-Ruel, no ano de 1883. 

Os últimos 20 anos de vida, Renoir sofreu com sua saúde. Portador de uma doença articular (artrite), o artista continuou pintando com dificuldades. Amarrava o pincel em seu braço para poder realizar suas obras. Mesmo assim, criou trabalhos ricos e importantes.

"Le Moulin de la Galette", Renoir, 1876, Musée d'Orsay, Paris.

História da Fotografia

Registrar momentos sempre foi uma das fixações do ser humano, seja em rascunho, pinturas ou esculturas. Em 350 a.C o filósofo Aristóteles criou uma câmara escura que propiciou as pessoas olharem eclipses solares sem prejudicarem os olhos. Mas no início do sécuo XIX, as descobertas científicas na área de ótica e química convergiram para a produção de uma nova forma de arte. Em 1826, o químico francês Nicéphore Niépce (1765-1833) fez a primeira imagem fotográfica que sobreviveu, digamos assim. Ela era apenas um borão, mas era considerada um grande avanço, feita com uma placa de estanho polido em exposição durante oito horas.

"Vista de Sua Janelaa em Gras", Niépce, 1826, Gernsheim Collection, Universidade de Texas, Austin.

"Um Retrato de Charles L. Smith", Daguerre, 1843, International Museum of Photography da George Eastman House, Rochester, Nova York.

Logo o processo foi aprimorado por um francês, Louis Jacques Mandé Daguerre, que tirou sua primeira fotografia com uma vista do canto de seu ateliê e tirou a primeira fotografia em uma rua movimentada que mostra um ser humano (o único que ficou tempo o sufiente parado para que a máquina registrasse) e logo depois por Wilham Henry Fox Talbot, inventou os famosos negativos anunciados em 1939.

Em 1851 o prcesso chamado chapa molhada reduziu o tempo de exposição para segundos e produziu impressões exatas. E assim o fotografo foi liberado e não precisava mais ficar correndo para a camara escura. Por volta de 1858, a fotografia instantânea substituiu o daguerreótipo, e em 1888 George Eastman, fundador da Kodak, criou os rolos de filmes as câmeras portáteis de mão e o filme em rolo virou febre.

"Para chegar ao público, Eastman decidiu fabricar um novo tipo de câmara. Esta, introduzida em 1888, foi a primeira câmara Kodak. Era do tipo "caixão", leve e pequena, carregada com um rolo de papel para 100 exposições. O preço da câmara carregada, estojo e correia era de 25 dólares. Uma vez feita a exposição, se enviava a câmara a Rochester, onde o rolo exposto era retirado, processado, feitas as cópias e colocado um novo rolo, tudo por 10 dólares. Isto foi uma mudança radical na política da empresa."

http://wwwbr.kodak.com/BR/pt/consumer/fotografia_digital_classica/para_uma_boa_foto/historia_fotografia/historia_da_fotografia13.shtml

"Em 1975, vamos encontrar Steve Sasson em seu laboratório na Eastman Kodak Company, unindo dispositivos analógicos e digitais juntamente com uma lente de câmera Super 8, para criar o que se considera a primeira câmera digital do mundo. O trambolho, que gravava as imagens em uma fita cassete, usava um revolucionário sensor chamado CCD (hoje muito comum) e levava 23 segundos para formar uma imagem com 100 linhas em preto e branco. Como a câmera não possuía LCD, era necessário colocar a fita cassete em um reprodutor portátil ligado a um computador que exibia a imagem em uma tela de TV.

A engenhoca foi mostrada para executivos da Kodak em 1976 com o nome de "Fotografia sem Filme". Como a idéia não vingou, muito provavelmente a possibilidade de se fazer fotografia sem filme não deve ter animado os executivos da maior fabricante de filmes e produtos químicos para fotografia. De uma maneira irônica, hoje a companhia luta para se reinventar por conta do mercado digital. A notícia mais recente vinda dos "iluminados" executivos da empresa é que eles vão voltar a produzir filmes fotográficos para os mercados pobres do mundo. Pena que a tecnologia digital já está acessível para quase todas as camadas sociais. O projeto foi patenteado em 1976, mas somente em 2001 a Kodak assumiu publicamente que teve em suas mãos a primeira câmera fotográfica digital do mundo. Infelizmente eles perderam o bonde da história."
http://meiobit.com/15452/a-primeira-camera-digital-do-mundo/

Como pode ser visto, fotografia foi na resultado da criatividade de muitas pessoas e em épocas diferentes. Hoje ela é uma febre, comum e viável a maior parte da população mundial. Existem câmeras de todos os tamanhos e cores e existem muitos objetos que possuem câmeras acopladas, como celulares, computadores, etc.

Art Noveau

Estilo essencialmente de Design e Arquitetura que também influenciou o mundo das artes plásticas - ferro forjado trabalhado, joalheria e tipografia - , floresceu entre 1890 e a Primeira Guerra Mundial. Foi um estilo decorativo internacional que explorou mais técnicas e materiais como o ferro e o vidro - que foram muito importantes na construção de edifícios à estética daquela época.
O movimento se inspirava na natureza e nos animais, por isso é conhecido por suas formas torcidas, linhas sinuosas, arabescos, curvas, assimetria e florais. Algo que não era muito comum, já que ainda estavam na época da indústria.

"O termo tem origem na galeria parisiense L'Art Nouveau, aberta em 1895 pelo comerciante de arte e colecionador Siegfried Bing. O projeto de redecoração da casa de Bing por arquitetos e designers modernos é apresentado na Exposição Universal de Paris de 1900, Art Nouveau Bing, conferindo visibilidade e reconhecimento internacional ao movimento".
http://www.itaucultural.org.br/AplicExternas/enciclopedia_IC/index.cfm?fuseaction=termos_texto&cd_verbete=909

Aubrey Beardsley (1872-98)
Desenhos curvilíneos característicos do Art Noveau em preto e branco.

"The Peacock Skirt", ilustração para a peça de Oscar Wilde, "Salomé" (1892).

"The Climax", ilustração feita para a peça de Oscar Wilde, "Salomé" (1892).

Realismo

Na segunda metade do século XIX o Realismo começou a emergir na França. Já na Renascença, os artistas que se mostravam Realistas conseguiram superar todas as limitações técnicas e se adaptaram a Idade das máquinas e acabou influenciando muitos  países europeus.

Romantismo: belo e ideal > Realismo: real e objetivo

Os artistas do  realismo tinham como inspiração a realidade. Como assim?
Eles colocavam em suas obras suas experiências pessoais, lembranças fisiológicas, ou seja, tudo que viam e tocavam. Deuses e história de heróis não eram mais contadas em pinturas ou mesmo em esculturas pois não faziam parte dos fatos do mundo moderno. O que pode ser notado são cenas do cotidiano, focando nos trabalhadores urbanos e camponeses, que são simples e cruas e a reprodução de paisagens era desapaixonada e neutra. Mas no início o Realismo foi um escândalo, acusado de degradar a arte com temas banais, cores excessivas que eram também muito vivas e consideradas de mal gosto com falta de elaboração e conceptualização das composições. Para os defensores do movimento a representação da realidade em grupo era a última palavra em audácia artística. O Realismo manteve-se dentro dos conceitos acadêmicos no que diz respeito à exatidão do desenho e ao perfeito acabamento do quadro.

ARTISTAS

Gustave Courbet (1819-1877)
Ele foi o pai do Realismo, saiu do convencional e fazia pinturas poéticas e de acordo com ele "a pintura é essencialmente uma arte concreta e tem de ser aplicada as coisas reais e existentes". Quando lhe pediram para pintar um anjo ele se recusou pois ele nunca viu um antes, por isso ele se limitada a temas cotidianos.
"Quando um júri se recusou a exibir o que Courbet considerava sua mais importante obra, "O Interior do Meu Ateliê", o pintor construiu uma galeria particular para exposições (na verdade, um barracão), chamado "Pavilão do Realismo" - o primeiro espetáculo solo que já houve."
STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 84, 1999.

"Interior do Meu Ateliê - Uma Alegria Real Resumindo Sete Anos de Minha Vida de Artista", Courbet, 1854-55, Musée d'Orsay, Paris.

Romantismo

"Valorização da Emoção"

O século IXX foi agitado por causa da comoção que a política, cultura e a sociedade tiveram decorrentes no aumento da produção gerada pela revolução industrial. Os artistas românticos procuram se libertar das convenções acadêmicas em favor de livre expressão da personalidade do artista.

Por que Romantismo?
Caracteriza-se pelo sonho, por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer período da história.

Rejeitou o estilo neoclássico e para retratar a emoção, por isso enfocavam na cor e no gesto.  Como o classicismo usavam a mitologia clássica, mas foi o nacionalismo que consolidou os estados da Europa.

ARTISTAS

Francisco Goya (1746-1828)
Primeiramente, Goya não se encaixa em nenhum dos movimentos artísticos, mas ele possui características marcantes do Romantismo e Realismo.
Artista espanhol, depois de começar a perder a audição decorrente a uma doença séria o pintor espanhol começou a demonstrar os primeiros vestígios do romantismo. Por causa da cegueira e idade avançada a alegria desapareceu de suas pinturas, ficou com um modo mais livre, escuro, dramático e expressivo.
Em 1810 foram produzidos as obras da série "Los Desastres de La Guerra", dentre elas "El segundo de mayo de 1808" e "El tercero de mayo de 1808", aonde pela primeira vez, não havia heroí, esperança e felicidade. Apenas tristeza, destruição e ódio e ainda foi descrita como fútil e sem glória. Nos últimos anos de sua vida pintou as "Pinturas Negras", aonde faz parte "Saturno devorando a un hijo".

Da série "Los desastres de La Guerra - Estragos de La Guerra", pintura nº 50.

Da série "Los Desastres de La Guerra- E são feras", pintura nº 05.

"Saturno devorando um filho (Saturno Devorando a un Hijo)", 1819-23, Museu do Prado, Madrid.

Victor Meirelles de Lima (1852-1903)
Nascido em Florianópolis, estudou na academia Imperial das Belas Artes no Rio de Janeiro, mas apenas em 1870 começou a ganhar notoriedade ao lado de Pedro Américo e Almeida Junior. Aos 29 anos foi condecorado por Dom Pedro II para Cavaleiro da Ordem Imperial de Cristo e foi nomeado professor da Academia Imperial de Belas Artes.

"Primeira Missa no Brasil", Victor Meirelles, 1860.

Neoclassicismo

Ocorreu mais ou menos a partir de 1780 até 1820, fim do século XVIII. Quem iniciou com o movimento foi Jacques-Louis David (1748-1825) ao ir a Roma, quando pela primeira vez viu a arte clássica. Ele disse que se sentiu como se tivesse sido operado de catarata. "Quero trabalhar em um estilo grego puro" dizia ele, desenhando os detalhes de todas esculturas que encontrava. Mas o que estimulou mesmo os artistas foi a descoberta das cidades de Pompéia e Herculano que ofereceu a primeira visão de arte da antiguidade bem preservada².
A sociedade ficou fascinada pelas obras da antiguidade clássica, fazendo suas obras se voltando-se para a moral patriota. Por isso as cenas religiosas perdem o foco e quase desaparece, um dos motivos é porque o estilo Neoclássico surgiu em reação ao Barroco - que foi uma reação da Contra Reforma e grande foco na religiosidade e o outro motivo é porque no lugar de cenas religiosas foram sendo produzidas cenas históricas do cotidiano e mitológicas. As ruinas inspiraram na arquitetura, por isso a clones dos templos gregos e romanos na Rússia à America.

CARACTERÍSTICAS

Caráter ilustrativo, anatomia correta, retomada dos padrões decorativos da arte greco-romana.
"A linha mestra do estilo neoclássico eram figuras severas, desenhadas com exatidão, que apareciam em primeiro plano, sem a ilusão de profundidade dos relevos romanos. A pincelada era suave, de modo que a superfície da pintura parecia polida e as composições eram simples, para evitar o melodrama rococó. Os fundos, em geral, incluíam toques romanos, como arcos ou colunas, e a simetria das linhas retas substituíam as curvas irregulares."
STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 69, 1999.

Os materiais geralmente usados eram a pedra, mármore e granito, na arquitetura eram formas assimétrica e geométricas" [...] na pintura enfatiza o desenho com linhas, não cor, não há vestígios de pinceladas."³

² STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 68, 1999.
³ STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 68, 1999.

OBRAS

Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867)
Prodígio desde os 11 anos de idade, foi aluno mais famoso de David. Nunca deixava  que as linhas aparecessem em suas pinturas, ele dizia que a tinta deveria ser uma camada fina como casca de cebola. Começou usando como modelo vasos gregos que foram criticados como sendo pinturas "primitivas" e "góticas".

"Retrato da Princesa de Brogilie", Ingres, 1853, MMa, Nova York.

Jacques-Louis David (1748-1825)
"David situu cada figura como uma estátua, iluminada por um feixe de luz, contra um fundo simples de arcos romanos. Com o fim de assegurar a precisão histórica, vestiu manequins com roupas romanas e fez capacetes romanos para então copiar".
STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 69, 1999.

"Jurameto dos Horácios", Jacques-Louis David, 1784, Louvre, Paris.

"Morte de Marat" (Marat assassiné), Jacques-Louis David, 1793, Museu Real de Belas Artes da Bélgica (Musées Royaux des Beaus-Arts de Belgique), Bruxelas.

Rococó

O movimento nasceu em Paris por volta de 1760 e já era considerado ultrapassado na França, continuou em moda em outros países. Até o final do século continuou a ornamentar os luxuoso castelos e igrejas da Alemanha, da Áustria e da Europa central. O nome rococó é derivado de rocaille, referente a conchas e seixos que ornamentam grotas e fontes, e surgiu como um estilo de decoração de interiores.
STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 64, 1999.

CARACTERÍSTICAS

• Clima: leve, vivaz, superficial, cheio de energia.
• Decoração de interior: Marchetarua elaborada, painéis pintados, enormes espelhos nas paredes.
• Formas: curvas sintuosas em formas de S e C, arabecos, floreados semelhantes a fitas.
• Estilo: gracioso e delicado.
• Cores: Branco, prata, outro tons suaves de rosa, azul e verde.

STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 64, 1999.

OBRAS

"Salão de Espelhos", François Cuvilliés, 17134-39, Amalienburg, Alemanha.

"Casa de Milá, Gaudí, 1907, Barcelona."

"Peregrinação a Cinera", Watteau, 1717, Louvre, Paris.

Barroco

A era Barroca começou em Roma por volta de 1600, quando os Papas resolveram patrocinar a construção de grandes igrejas e a pintura trabalhada delas para demonstrarem o triunfo da igreja católica sobre a Reforma e para atrair novos cristãos com a atração arquitetônica.
Portanto nos países católicos, a arte religiosa evoluiu e em outros, como ao norte da Europa aonde o protestantismo ainda proibia tais obras, acabou sendo comum a produção de obras como natureza morta, retratos, paisagens e cenas do cotidiano.
Artistas de toda Europa foram para as academias de Roma para estudar as técnicas da Antiguidade Clássica e Alta Renascença. Ao voltarem as suas cidades as técnicas que lhes foram ensinadas em Roma misturaram-se com a cultura regional de cada cidade.

CARACTERÍSTICAS

O barroco se utilizou da técnica da Renascença, a emoção e a intensidade e dramaticidade do Maneirismo, criando um elemento comum que era a sensibilidade e o absoluto domínio da luz e sombra para obter o máximo impacto emocional. Contraste e aspecto cênico.
STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 46, 1999.

"Podia-se representar com perfeição o corpo humano visto de qualquer ângulo, desenhar a mais complexa perspectiva e reproduzir realisticamente qualquer aparência."
STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 47, 1999.

ARTISTAS

Caravaggio (1571-1610) era artista boêmio que tinha uma vida tempestuosa, cometendo até um assassinato. Era conhecido por retratar os eventos bíblicos com o povo comum. Ele foi acusado de ter pego um corpo de uma prostituta morta no rio Tibre para pintar o quadro da morte da Virgem. Uma de suas características marcantes era usar o fundo obscuro ou negro.

"A Conversão de São Paulo", c.1601, Santa Maria Del Popolo, Roma.

Artemisia Gentileschi (1593-1653)
Iniciou os estudos em Roma aos 19 anos e foi o primeiro grande nome feminino na pintura. "Artista extremamente talentosa, que viajava por muitos lugares e era independente."¹ Ela fora assediada pelo seu instrutor Agostino Tasse. Em suas obras podia-se ver a sua ira pois eram cenas violentas contra homens, como um tipo de vingança, pois o assediador nunca foi punido.
- ¹ : STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 47, 1999.

"Judite e Criada com a Cabeça de Holofernes", Galleria degli Uffizi, Florence.

Gianlourenzo Bernini (1598-1610)
"Além de escultor ele também era arquiteto, pintor, teatrólogo, compositor e cenógrafo de teatro. [...] Mais que qualquer outro artista, ele deixou sua marca em Roma, com suas fontes, sua arte religiosa e seu projeto da Basílica de São Pedro."
 STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 48, 1999

"O Êxtase de Santa Teresa", 1645-52, Capela Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Roma.

Francesco Borromini (1599-1667)

"Fachada de San Carlo alle Quattro Fontane", 1665-67, Roma.

Maneirismo

O nome "maneirismo" vem do italiano di maniera, com o significado de uma obra de arte realizada conforme
o estilo do artista, e não ditada pela representação da natureza.
Entre a Alta Renasença e o Barroco os maneiristas, como eram chamados os artistas da Renascença Tadia, já
haviam chegado na perfeição e alcançado seus objetivos. Então substituir a razão pela emoção, a realidade
pelo exagero da imaginação parecia a solução perfeita. Eles quebraram o equilíbrio que levou anos para ser criado,
exageraram na beleza ideal de Michelangelo e Rafael e assim criaram um novo estilo.

CARACTERÍSTICAS

A composição se tornou oblíqua, com um vazio no centro e as figuras concentradas junto a moldura (ao contrário da Alta Renascença).
Os corpos são distorcidos - geralmente alongados, mas as vezes pesadamente musculosos. As cores são sombrias, aumentando a impressão
de tensão, movimento e iluminação irreal.
STRICKLAND, Carol. Arte Comentada, Da Pré-história ao Pós-moderno, página 44, 1999.

OBRAS 

"A Última Ceia", Tintoretto, 1594, San Giorgio, Veneza.